La música influye en las personas, sirviendo como estímulo de numerosas emociones y funciones orgánicas. Para que este efecto se dé, la música que se escuche debe cumplir ciertos requisitos: que guste al oyente, que le emocione y que las circunstancias que se den, durante la escucha, sean las adecuadas.
Afecta a la bioquímica del cuerpo, acelerando o ralentizando todas las funciones orgánicas. También actúa sobre nuestro sistema nervioso central pudiendo provocar efectos sedantes, estimulantes, deprimentes, alegres, etc.
La música facilita el proceso de aprendizaje porque activa un enorme número de neuronas. El contrapunto ayuda a desarrollar la inteligencia porque fuerza a seguir diversos razonamientos a la vez, las voces o melodías de la composición musical.
-Puede despertar, evocar, provocar y fortalecer cualquier tipo de emoción.
-Puede provocar la expresión de uno mismo.
-Puede iniciar a los niños en la reflexión, y a transformar su pensamiento pre-lógico en lógico, preservando su creatividad.
-Puede estimular la imaginación y ayudar a desarrollar la creatividad.
-Puede ayudar a desarrollar la memoria, el sentido del orden, la capacidad de atención sostenida y del análisis.
-Puede ser una fuente de placer semejante al juego, debido a la constante variación de los sonidos musicales
Formación musical
La música es una formación esencial para el equilibrio emocional. Esta formación es primordial tanto para los niños que quieran ser músicos como para los demás. La formación musical debería realizarse de acuerdo con la edad, de un modo en que prime la creatividad, la expresión libre, el aprendizaje atractivo y fácil. Que el niño aprenda porque sienta la necesidad de hacerlo, nunca por imposición. Pero ésto depende, en parte, del modo de enseñar. Es indispensable tener en cuenta sus gustos musicales, sus primeros recuerdos, sus preferencias etcétera. El profesor de música también puede recoger esta información, que puede ser positiva –cualidades del niño– o negativa –posibles problemas de comportamiento, de estado de ánimo–. Esta información puede ser muy útil y debe transmitirla al profesor del niño y a los padres. La Dra. Serafina Poch Blasco, es musicoterapeuta Registrada y autora del libro “Compendio de Musicoterapia”.-Vol. I (1999, 2002), Vol. II (1999).- Editorial Herder, Barcelona.
A lo largo de la historia se puede encontrar continuamente la presencia tecnológica en el arte. En concreto, la evolución de la música depende en cierta medida del desarrollo tecnológico de cada época. Como ejemplo, se podría observar este desarrollo en la construcción de cualquier instrumento musical: nuevas técnicas, nuevos materiales, ampliación de la tesitura y de la potencia sonora, etc. El perfeccionamiento del instrumento también es debido a una exigencia técnica que se encuentra en la partitura: el compositor pide al interprete un esfuerzo interpretativo que puede traducirse en que el fabricante dote al instrumento de una nueva característica técnica. Podríamos aplicar el mismo proceso a aquellos instrumentos musicales basados en la Electrónica y la Informática. En este caso es esencial la colaboración entre compositores, interpretes, ingenieros, programadores, y por último, fabricantes que concentren todo este esfuerzo multidisciplinar en el diseño de nuevos instrumentos musicales.
Habría que remontarse a principios del siglo XX para encontrar a músicos que pedían un avance cualitativo ya que consideraban necesario incorporar nuevos timbres a la paleta orquestal. Como respuesta, en aquella época se intentaron incorporar nuevos sonidos a un orden musical de diversas formas: aparecen nuevos instrumentos mecánicos, la percusión orquestal pasa a un primer plano, se preparan los instrumentos acústicos tradicionales de tal forma que se obtengan o resalten ruidos ajenos a su funcionamiento habitual, etc.
Con el desarrollo de la electrónica el compositor pudo grabar, manipular y reproducir el sonido con fines compositivos. A mediados de este siglo varios compositores comenzaron a utilizar en sus obras sonidos y ruidos grabados del medio ambiente (“Música Concreta”), mientras otros obtenían nuevos materiales sonoros utilizando exclusivamente instrumentos electrónicos (“Música Electrónica”). Estas corrientes se unifican con el término “Música Electroacústica” que aparece en 1959, y se podría definir así a aquella música en la que se utiliza de una forma creativa cualquier equipo electrónico, estableciéndose por tanto un compromiso con la tecnología.
La aparición determinados aparatos generadores de sonidos, como el sintetizador, marcaron toda una época en el desarrollo de esta música. Recientemente el ordenador ha supuesto una auténtica revolución en todos los aspectos, siendo hoy en día un elemento fundamental para el compositor. En definitiva, todas estas nuevas técnicas permiten controlar con precisión los parámetros fundamentales del sonido tales como la altura, intensidad, timbre y duración. Esto quiere decir que el compositor puede inventar nuevos sonidos, moldearlos, transformarlos, moverlos en el espacio, etc. De esta forma se abren nuevas e interesantes vías en la interpretación, la investigación o la experimentación, impulsándose de alguna forma la labor creadora del músico.
